Особенности стиля поп арт: особенности стиля, фото – Rehouz

особенности стиля, фото – Rehouz

Бурные 60-е, яркие цвета, четкие геометрические формы, необычные фактуры, много глянца и пластика, газетные вытяжки и рекламные постеры на стенах, триптих Мерилин Монро, вазы из консервных банок, – первые ассоциации, возникающие при упоминании стиля поп-арт. Поп-арт рассматривает привычные вещи как произведения искусства, главной своей чертой провозгласив образы продуктов питания и потребления.

Поп-арт в интерьере

≡ Содержание:

• — Материалы и отделка
• — Цветовые решения
• — Мебель
• — Детали и декор
• — Освещение
• — Дизайн интерьера в стиле поп-арт — фото

Стиль поп-арт перекочевал в интерьеры квартир и домов из художественных галерей в 1950-х годах и явился своеобразным откликом на абстрактный экспрессионизм. Такой стиль применяется и сейчас, его можно использовать практически для любого помещения в квартире. Поп-арт подходит молодым активным людям, которые любят эпатажные решения и не боятся шокировать окружающих.

Материалы и отделка помещений

Для интерьера в стиле поп-арт характерны глянцевые поверхности и использование разных видов пластика. Этот стиль допускает применение как натуральных, так и синтетических материалов, за основу берутся пластмасса, металл, бумага, стекло, возможно – натуральная и искусственная кожа.

• Потолок должен быть светлым и глянцевым, он может быть как одноуровневым, так и многоуровневым, асимметричным; допустимы любые варианты – окрашенный, натяжной, подвесной.
• Стены можно красить, оклеивать обоями, покрывать декоративной штукатуркой. Органичны обои с оптической иллюзией, когда в зависимости от угла обзора рисунок или меняется, или исчезает.
• Для отделки пола подойдет глянцевый ламинат или ковролин. Пол в интерьере может быть сложным, допустима установка подиума.

Цветовые решения

В основе стиля поп-арт лежит использование ярких контрастных цветов при отделке помещения. Ключевые тона – черный, белый, синий и красный, допустимы также неоновые оттенки. Наиболее популярный вариант — однотонные поверхности с яркими акцентами, однако, нередко встречаются и сочетания несочетаемых цветов, органично смотрится и черно-белая гамма.

Поп-арт в интерьере гостиной

Стоит учитывать, что обилие красок быстро надоедает, поэтому желательно использовать в отделке поверхностей не более трех цветов, а яркими акцентами сделать мебель и аксессуары.

Обычно в поп-арт интерьере основную смысловую нагрузку несут стены. Традиционно используются два варианта оформления: стены белого или холодного серого цвета как фон для разных цветных акцентов – картин, постеров, фотографий, или цветные – в этом случае приветствуются яркие контрастные сочетания, цвета могут плавно переходить друг в друга. Органично будут смотреться всевозможные узоры – полосы, горох, геометрические фигуры. На одной из стен можно применить технику цикличности композиции, когда один элемент или узор многократно повторяется.
Чтобы интерьер не выглядел перегруженным, пол и потолок должны быть нейтрального цвета. В качестве яркого акцента можно использовать ковер, соответствующий концепции – яркий, с четким геометрическим узором, или имитация звериной шкуры.

Мебель в стиле поп-арт

[ads_block]
Нельзя однозначно сказать, как должна выглядеть мебель в стиле поп арт. Главное – интересные формы и яркие краски. Это могут быть:

• дизайнерские стулья необычной формы;
• яркие журнальные столы;
• большие цветные диваны и кресла;
• кровать в форме сердца;
• разноцветные пластиковые полки и стеллажи;
• маленькие яркие пуфы;
• кресло в форме губ.

Материал для мебели может быть любым – пластик, дерево, стекло, приветствуются яркие обивочные ткани с рисунками.

Поп-арт в интерьере: декор и детали

Для декора интерьера в стиле поп арт незаменимы оригинальные скульптуры, постеры, фотографии знаменитостей в оригинальных рамках, затейливые стеклянные или пластиковые вазы. Приветствуются предметы, сделанные своими руками.

Граффити в интерьере поп-арт

Важными атрибутами интерьера в стиле поп-арт являются картины, выполненные в кислотной гамме. Сюжет может быть любым – от портрета любимого кота, написанного с искаженной цветопередачей, до стилизованных фото современных кинозвезд или кумиров прошлого. Как правило, такие полотна создаются с помощью фотопечати.

Создать уют в помещении поможет текстиль – яркие шторы, ковровые дорожки, покрывала или диванные подушки кислотных цветов или с яркими узорами, постельное белье с принтами.

Освещение

Помещение в стиле поп-арт предполагает наличие оптических и световых эффектов, создаваемых при помощи зеркал, глянцевых покрытий, неоновой подсветки. В интерьер прекрасно впишутся лампы с яркими глянцевыми плафонами, светодиоды и точечные светильники.

Поп-арт – это эпатажный стиль, который подходит экспериментаторам и фантазерам. Однако обращаясь к нему, важно понять, соответствует ли стиль состоянию души владельца помещения и насколько комфортно ему будет жить в таком буйстве цвета и аксессуаров. Лучше погружаться в атмосферу поп-арта поэтапно, оформляя не все помещения сразу, а одно за другим.

Поп-арт в интерьере — фото

5
1
голос

Рейтинг статьи

основные принципы, цветовая гамма и материалы

Основные принципы стиля поп-арт: как оформить интерьер необычно и индивидуально. Полезные советы и рекомендации от Квартблога!

Любите неожиданные решения в интерьере и яркие цвета? Тогда поп-арт — ваш выбор. В красочности с ним не может соревноваться ни один из других стилей интерьера.

Пор-арт переводится как популярное искусство: 1950-1960 годы это направление развилось именно в искусстве и затем быстро распространилось и на дизайн интерьера. Существуют американский, итальянский и английский поп-арт, а самые яркие представители направления — Энди Уорхол, Рой Лихтенстайн и Ричард Гамильтон. При создании интерьера дизайнер может вдохновляться как искусством конкретного автора, так и общими принципами стиля. В таком интерьере будет не только много красок, но и узнаваемые с первого взгляда образы современного массового искусства и рекламы.

Для реализации поп-арта нужно обширное пространство. Насыщенные цвета и изобилие узоров визуально уменьшают интерьер. Использовать орнаменты для создания иллюзии расширения пространства — целое искусство. Если квартира небольшая, можно сделать микс скандинавского стиля с поп-артом, тогда белая спокойная основа будет работать на размер помещения, а декор — создавать настроение.

Стиль поп-арт в интерьере: цветовая гамма

Буйство красок, яркие (включая кислотные и неоновые) цвета, контрастные сочетания — отличительная особенность поп-арта. Пастельным оттенкам здесь не место. Для того, чтобы в таком интерьере можно было жить, не сойдя с ума, за основу часто берется белый, черный или черно-белый в равной пропорции. Если оформляется интерьер нежилого помещения, или хозяева квартиры слишком устали от серого города за окном, основой могут служить сразу несколько цветов, присутствующих в одинаковом количестве.

Единственное допущение полутонов в поп-арте, — это наложение одного полупрозрачного цвета на другой с целью создания такого фильтра, как на поп-арт фотографиях.

Материалы

Большую роль в поп-арт интерьере играют стены. Они не хотят брать на себя фоновую роль, а заявляют о себе как настоящие произведения искусства с помощью росписи или фотообоев. Самые популярные темы — граффити, анимационные персонажи, комиксы, стилизация под Энди Уорхола. У поп-арта есть своя особая стилистика, в которой можно исполнить любое изображение, даже ваше собственное фото.

На стенах могут быть и обычные обои, но непременно с интересным рисунком. Например, повторяющиеся геометрические узоры, создающие визуальную иллюзию будут очень кстати. Для того, чтобы не перегружать пространство, оформите так только одну, акцентную стену. Больше про этот прием читайте в нашей статье: «». В поп-арте, сплошь состоящем из акцентов, этот прием может быть преобразован: одна стена оформляется мелким узором или росписью, противоположная окрашивается в белый, а соседние — в контрастные цвета.

Для стиля поп-арт, который часто декорируется подсветкой, лучшим решением будет многоуровневый потолок. Если подсветка не планируется, можно сделать навесной глянцевый потолок, это позволит визуально его приподнять и соответствует принципам стиля. При желании, можно оформить потолок зеркалами или росписью.

Для оформления пола есть 2 основных варианта. Если стены оформлены очень разнообразно и насыщенно, лучше положить на пол светлый и глянцевый материал — плитку, паркет, винил, линолеум. Однотонный ковролин тоже подойдет. Если хочется, чтобы пол притягивал к себе взгляды, то поверхности с орнаментами или необычной раскладкой — ваш вариант.

О мебели и декоре для стиля поп-арт, читайте во второй части статьи.

Дайджест Квартблога

Яркий стиль поп-арт. Часть 2 — Как подобрать мебель и декор для создания интерьера в стиле поп-арт.

Квартблог ЛАЙВ: мастер-класс «Панно в стиле поп-арт. Сделай свой дом ярче» — На мастер-классе дизайнера Татьяны Ефимчук вы своими руками создадите панно в стиле поп-арт. Приглашаем всех!

Сдержанный поп-арт по-шведски — Впечатляющая шведская квартира с элементами поп-арта.

15 интерьеров в стиле поп-арт — Веселые, яркие, с долей юмора — это все об этой подборке интерьеров.

Фотографии: milandesignagenda.com, decoist.com, myhome.ru, www.homedsgn.com, decobizz.com, interioridea.net, home-designing.com

Добавить в избранное

•  Теги
• поп-арт
• стиль интерьера

поп-арт, стиль интерьера

Поп-арт 101: История, техники и способы создания

Поп-арт, сокращенно от «популярное искусство», является одним из крупнейших художественных движений, известных в истории. Знаменитое движение возникло в 1950-х годах и достигло своего расцвета в 1960-х годах в Америке и Великобритании, когда художники черпали вдохновение в коммерческой и поп-культуре и создавали смелые произведения, отражающие реалии повседневной жизни. Американский поп-арт находился под сильным влиянием американской культуры потребления, культуры славы и знаменитостей, а также послевоенной культуры. Движение началось как восстание против элитарности и традиционных художественных норм и стало ответом на культуру капитализма и потребительства в послевоенной Америке. По сути, это была культурная революция, направленная на разрушение социальных норм и освобождение людей от конформизма.

Художники обратились к голливудским фильмам, поп-музыке, комиксам и рекламе как к более значимому и влиятельному источнику для создания поп-арта. Основные участники движения включают Энди Уорхола, Ричарда Гамильтона и Роя Лихтенштейна, которые создали культовые проекты в стиле поп-арт, глубоко укоренившиеся в нашей культуре. Многие верят коллажу Гамильтона «Что же делает современные дома такими разными и такими привлекательными?» возможно, спровоцировало начало движения в 1956 году в Лондоне. Он описал характеристики движения следующим образом: «Поп-арт: Популярный, Преходящий, Расходный, Недорогой, Массовый, Молодой, Остроумный, Сексуальный, Бесполезный, Гламурный, Большой бизнес».

Так актуален ли поп-арт сегодня? Больше чем когда либо. От художественных выставок до продажи товаров — поп-арт процветает во всем мире. Сегодня художники продолжают использовать приемы поп-арта в своих проектах, в том числе характерные графические эффекты, такие как насыщенные цвета, четкие очертания, точки и смелые культурные заявления с использованием повседневных предметов. Уличные художники, такие как Бэнкси, продемонстрировали влияние поп-арта в своих работах, используя аналогичную эстетику трафарета и графического дизайна. Поп-арт по-прежнему считается очень ценным на современном рынке. Серебряная автокатастрофа Энди Уорхола (Двойная катастрофа) была продана за колоссальные 104,5 миллиона долларов в 2013 году!

Содержание

Что такое поп-арт?

Поп-арт взял повседневную жизнь и повседневные предметы и сделал их насыщенными цветами, смелыми очертаниями и креативными наложениями. Яркость стиля уникально воплощена в предметах повседневного обихода, таких как банки из-под супа, фрукты, упаковка жевательной резинки и инструменты, или в таких средствах массовой информации, как газеты, журналы и комиксы. Поп-арт превратил обыденные и обыденные предметы в необычные, полностью нарушив существовавшие в то время художественные нормы и культурную иерархию.

Поп-арт мгновенно узнаваем и может быть замечен за много миль благодаря его изюминке и энергичным цветам и узорам, печально известным изображениям из популярных средств массовой информации и продуктов, а также новаторским художественным приемам, характерным для стиля поп-арт. В нем часто использовались повторения, символы, наложения и точки с основными цветовыми палитрами ярко-красного, синего и желтого цветов. Поп-арт также включал в себя юмор и иронию, которые сделали произведения такими популярными среди масс. Художники использовали сатиру, чтобы высмеивать тенденции и причуды, освещать текущие события и бросать вызов текущему образу жизни.

через PicsArt

Американская поп-музыка против британской поп-культуры

Поп-арт впервые появился в Англии в середине 50-х годов и распространился в Соединенных Штатах к концу десятилетия. Но поскольку в то время в Великобритании было сильное американское влияние, и многие из самых громких имен движения были американскими, существует тесная связь между движением, которое развивалось в США и в Англии. Однако есть некоторые отличия.

В США поп-арт использует обыденную реальность, поп-культуру, иронию и сарказм. Американский поп-арт был результатом идеи американской мечты. Рой Лихтенштейн и Энди Уорхол были самыми известными американскими поп-артистами.

С другой стороны, в Англии движение началось с более академического направления. Английский поп-арт питался американской культурой, но через другую, более далекую линзу. Британцы использовали пародию и самоуничижение, чтобы осудить западную систему манипулирования, которая одновременно повлияла на поведение общества и привела к большому материальному процветанию. Среди известных художников британского движения поп-арта Ричард Гамильтон, Найджел Хендерсон и Эдуардо Паолоцци.

Техники и характеристики поп-арта

Давайте посмотрим на определяющие характеристики поп-арта, которые сделали его таким мощным движением.

Потребительство Тема:  Капитализм, потребление и материализм являются центральными темами поп-арта. Банки с супом Кэмпбелл, кока-кола и коробки с хлопьями — вот некоторые из многих изображений, используемых для изображения известных торговых марок и известных упаковок продуктов. Поп-арт подчеркивал материализм, демонстрируя богатство послевоенного общества с помощью этих продуктов.

Слава и культура знаменитостей. Одержимость славой и культурой знаменитостей — еще одна основная тема поп-арта. По мере того, как люди потребляли Голливуд, фильмы, журналы и телевидение, художники создавали творения, вдохновленные знаменитостями. Забавный факт: известное выражение «Пятнадцать минут славы» произошло от знаменитой цитаты Энди Уорхола: «В будущем каждый станет всемирно известным на пятнадцать минут». Мэрилин Монро и Элвис Пресли были среди многих знаменитостей, которых использовали в дизайнах поп-арта.

Средства массовой информации: Создатели поп-арта подражали источникам средств массовой информации, таким как телевидение, журналы и комиксы. Они часто включали вырезки из журналов, имитировали комиксы и изображали известных людей и продукты, иногда объединяя различные элементы средств массовой информации в один дизайн.

Предметы повседневного обихода:  Обычные предметы из повседневной жизни нашли свое применение в знаменитых произведениях поп-арта, часто с современным сатирическим уклоном. От дорожных знаков и гамбургеров до лампочек и бананов дизайнеры поп-арта смогли поднять повседневные предметы до высокого статуса искусства, опираясь на популярные культурные отсылки.

Увеличить и повторить. Одна из техник, которую художники использовали для подчеркивания повседневных объектов, заключалась в увеличении изображений до огромных масштабов и повторении изображений для строк подряд. Это произвело драматический эффект и сделало смелое заявление о потреблении. Представьте себе сетчатый холст размером восемь на четыре из больших банок из-под супа Кэмпбелл. Это был один из фирменных стилей поп-арта Энди Уорхола.

Использование материала вне контекста:  Другой прием поп-арта заключался в удалении объекта из его контекста как отдельной части или объединении его с другими объектами или изображениями в соответствии с темами капитализма, материализма и славы. . Еще одна известная работа Энди Уорхола — гигантский банан на обложке дебютного альбома The Velvet Underground.

Изображения коллажей:  Коллаж – это популярная техника поп-арта, используемая для объединения графических элементов, включая фотографии, текст, текстуры, рекламу, страницы журналов и вырезки из комиксов. Художники поп-арта использовали коллажи, чтобы сделать культурные и художественные заявления, комбинируя множество различных элементов, чтобы обыгрывать основные темы потребительства. Первый коллаж Гамильтона, положивший начало движению поп-арта, включает в себя множество известных продуктов и людей.

Инновационные методы трафаретной печати.  Технологии трафаретной печати, такие как шелкография и литография, использовались известными художниками, такими как Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн, для создания характерных образов в стиле поп-арт. Смелые очертания, четкие линии, резкие цвета и приемы изображения в средствах массовой информации также были визуальными стилями, принятыми создателями поп-арта.

Воспроизведение, наложение и дублирование: Будь то коллаж или повторение, графические эффекты поп-арта создаются с помощью методов воспроизведения, наложения и дублирования различных изображений. Некоторые творческие коллажи часто включали повторяющиеся изображения и другую наложенную графику, отражающую повседневную жизнь и предметы, известных людей и узнаваемые торговые марки.

через PicsArt
Насыщенные цвета: яркие цвета, такие как красный, синий, желтый и зеленый, залитые поп-артом. Художники специально использовали основные цвета и насыщенные неоновые цвета, чтобы передать оптимизм и достаток. Его яркие и насыщенные цвета вышли за рамки традиционных художественных норм и усилили движение поп-арта.

через PicsArt

Превратите свою фотографию в поп-арт

Поп-арт беззастенчиво громок и ярок и зажигает определенный уровень энергии изнутри. Что может быть лучше, чем привнести этот взрыв энергии в свои собственные фотографии? Давайте посмотрим, как сделать поп-арт из вашей фотографии с помощью приложения Picsart!

1. Откройте приложение Picsart и коснитесь знака плюс в нижней части экрана.

2. Загрузите изображение, к которому вы хотите добавить фотоэффекты в стиле поп-арт.

3. Нажмите на инструмент Эффекты в нижней части экрана.

4. Пролистайте до упора вправо, пока не увидите категорию Pop Art . Правильно, в Picsart есть целая категория, посвященная поп-арту! Теперь у вас под рукой есть собственный генератор поп-арта.

5. Выберите фильтр Pop Art и наблюдайте, как трансформируется ваше изображение. Оцените некоторые из наших любимых эффектов в стиле поп-арт: Glitch3, Spotted, Off Grid и Pop Art Colors.

6. Если вы хотите внести дополнительные изменения в фильтр, дважды нажмите на фильтр по вашему выбору и соответствующим образом отрегулируйте масштабы.

7. Нажмите Применить в правом верхнем углу, чтобы сохранить изменения.

8. Хотите добавить больше фильтров? Вернитесь к Эффекты , щелкните Поп-арт или нажмите FX , чтобы выбрать другие модные фильтры, такие как популярный эффект гранж. Вы можете наложить столько фильтров, сколько захотите. Не забывайте нажимать Применить после каждого редактирования.

9. Совет: добавьте забавные наклейки на изображение, чтобы создать коллаж в стиле поп-арт. Чтобы добавить наклейку к своему изображению, нажмите Наклейка , введите «Поп-арт» или любой другой запрос в поле поиска и выберите наклейку. Вы можете изменить размер стикера и внести дополнительные улучшения с помощью инструментов в нижней части экрана. Нажмите Применить для сохранения. Не бойтесь добавлять несколько стикеров!

10. Чтобы добавить текст, щелкните инструмент Text , введите нужный текст и выберите ориентацию. Вы можете изменить шрифт, цвет, непрозрачность и другие функции с помощью инструментов в нижней части экрана.

11. Добавьте другие улучшения, используя инструменты Mask, Lens Flare, Shape Mask, и Frames . Мы предлагаем попробовать Shape Masks для дополнительного драматического эффекта поп-арта.

12. Закончили с фотографией в стиле поп-арт? Нажмите Далее вверху справа и Сохранить или Опубликовать !

Если вы ищете бесплатный онлайн-редактор фотографий, обратите внимание на Picsart Desktop Editing Tools. Познакомьтесь с эффектами эскиза, наложением фотографий, цветовой экспозицией и эффектами двойного тона, чтобы узнать о некоторых удивительных инструментах для редактирования фотографий, которые гарантированно сделают ваш дизайн эффектным.

через PicsArt

Творите со скоростью культуры  

Picsart — это полная экосистема бесплатного контента, мощных инструментов и источников вдохновения для авторов. С миллиардом загрузок и более чем 150 миллионами активных авторов в месяц Picsart является крупнейшей в мире творческой платформой. Picsart сотрудничает с крупными артистами и брендами, такими как BLACKPINK, Jonas Brothers, Lizzo, Sanrio: Hello Kitty, I am a Voter, Bebe Rexha, Maroon 5, One Direction, Warner Bros. Entertainment, iHeartMedia, Condé Nast и другими. Загрузите приложение или начните редактировать в Интернете сегодня, чтобы улучшить свои фотографии и видео с помощью тысяч быстрых и простых инструментов редактирования, модных фильтров, забавных наклеек и ярких фонов. Дайте волю своему творчеству и обновите до Золотого , чтобы получить премиальные привилегии!

Поп-арт

Поп-арт был стилем современного искусства 1960-х годов, в котором использовались образы средств массовой информации, массового производства и массовой культуры.

СЭР ПИТЕР БЛЕЙК (1932-)
«100 источников поп-арта», 2014 (шелкография с алмазной пылью, глиттером и глазурью)

Поп-арт — искусство массовой культуры. Именно движение изобразительного искусства характеризовало чувство оптимизма во время послевоенного потребительского бума 1950-х и 1960-х годов. Это совпало с глобализацией поп-музыки и молодежной культуры, олицетворенной Элвисом и Битлз. Поп-арт был дерзким, молодым, веселым и враждебным художественному истеблишменту. Он включал в себя разные стили живописи и скульптуры из разных стран, но всех их объединял интерес к масс-медиа, массовому производству и массовой культуре.

Британский поп-арт

ЭДУАРДО ПАОЛОЗИ (1924-2005)
«Я был игрушкой богача», 1947 (коллаж)

Слово «POP» было впервые придумано в 1954 году британским искусствоведом Лоуренсом Аллоуэем для описания нового типа искусства, вдохновленного образами популярной культуры. . Аллоуэй, наряду с художниками Ричардом Гамильтоном и Эдуардо Паолоцци, был одним из основателей Independent Group, коллектива художников, архитекторов и писателей, которые исследовали радикальные подходы к современной визуальной культуре во время своих встреч в ICA в Лондоне между 1952 и 1955. Они стали предшественниками британского поп-арта. На их первой встрече Паолоцци прочитал наглядную лекцию под названием «Bunk» (сокращение от «bunkum», что означает «чепуха»), в которой иронически рассматривался всеамериканский образ жизни. Это было проиллюстрировано серией коллажей, созданных из американских журналов, которые он получил от Г.И., все еще проживающего в Париже в конце 1940-х годов. «Я был игрушкой богатого человека», одна из серий «Bunk», была первым визуальным произведением, включающим слово «POP».

РИЧАРД ГАМИЛЬТОН (1922-2011)
«Что же делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» 1956 (коллаж)

Некоторые молодые британские художники 1950-х годов, которые выросли в условиях военной строгости продовольственных книжек и коммунального дизайна, смотрели на соблазнительные образы американской поп-культуры и ее потребительский образ жизни с романтическим чувством иронии и немного зависти. Они считали Америку страной свободы, свободной от калечащих условностей классового истеблишмента, которые могли задушить культуру, которую они представляли: более инклюзивную, молодежную культуру, охватывающую социальное влияние средств массовой информации и массового производства. Поп-арт стал их способом выражения в этом поиске перемен, и его язык был адаптирован из коллажей и ассамбляжей Дада. Дадаисты создали иррациональные комбинации случайных образов, чтобы вызвать реакцию со стороны истеблишмента своего времени. Британские поп-исполнители использовали аналогичную визуальную технику, но сосредоточили свое внимание на массовых образах популярной культуры, которыми они бросали вызов истеблишменту.

Коллаж Ричарда Гамильтона 1956 года «Что делает сегодняшние дома такими разными и такими привлекательными?» представляет собой окончательный каталог изображений поп-арта: комиксы, газеты, реклама, автомобили, еда, упаковка, бытовая техника, знаменитости, секс. , космическая эра, телевидение и кино. Черно-белая версия этого коллажа использовалась в качестве обложки для каталога выставки «Это завтра» в галерее Уайтчепел в 1956 году. Эта выставка ознаменовала расширение нашего понимания того, что такое культура, и вдохновила новое поколение молодых людей. Британские художники, в том числе Эдуардо Паолоцци, Питер Блейк, Дэвид Хокни, Аллен Джонс, Джо Тилсон, Дерек Бошир, Ричард Смит и Р. Б. Китай.

Американский поп-арт

ДЖАСПЕР ДЖОНС (1930-)
«Белый флаг», 1955 (энкаустика, масло, газета, холст, уголь)

Поп-арт в Америке развивался несколько иначе, чем его британский аналог. Американский поп-арт был как развитием абстрактного экспрессионизма, так и реакцией на него. Абстрактный экспрессионизм был первым американским художественным движением, получившим мировое признание, но к середине 1950-х годов многие сочли его слишком интроспективным и элитарным. Американский поп-арт развился как попытка обратить вспять эту тенденцию, вновь представив изображение как структурный прием в живописи, чтобы снова вывести искусство из мрака абстракции в реальный мир. Это была модель, которая была опробована и испытана ранее. Пикассо делал что-то подобное сорок лет назад, когда он накладывал печатные изображения «реального мира» на свои натюрморты, опасаясь, что его живопись станет слишком абстрактной. Около 1955 года появились два замечательных художника, которые заложили основу моста между абстрактным экспрессионизмом и поп-артом. Это были Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг, предшественники американского поп-арта.

Джаспер Джонс — Найденное изображение

ДЖАСПЕР ДЖОНС (1930-)
«Числа в цвете», 1958-59 (энкаустика и газета на холсте)

Ранние работы Джаспера Джонса задают вопрос о том, как мы смотрим, воспринимаем и создаем искусство. Он не делает различий между субъектом и объектом в своей работе, или искусством и жизнью, если уж на то пошло. В его глазах они оба одинаковы. Джонс считает, что мы должны смотреть на картину не как на представление или иллюзию, а как на объект со своей собственной реальностью.

Как и предшественники британского поп-арта, Джонс находился под влиянием идей дадаизма, в частности «реди-мейдов» (найденных предметов) Марселя Дюшана, чьи полки для бутылок и велосипедные колеса бросали вызов определению арт-объекта.

Однако не «найденные объекты» Джонс представил в качестве сюжета для своих картин, а «найденные изображения» — флаги, мишени, буквы и цифры — и именно эта иконография знакомых знаков привлекла Попа. Он видел в них «предварительно сформированные, условные, обезличенные, фактические, внешние элементы».

Обезличенные образы Джонса стали противоядием от малоизвестной личной абстракции позднего абстрактного экспрессионизма. Использование им таких нейтральных значков предлагало ему предмет, который был сразу узнаваем, но настолько обычен, что позволял ему работать на других уровнях. Его предметы предоставили ему структуру, на которой он мог исследовать визуальные и физические качества своего медиума. Результатом стал тщательный баланс между представлением и абстракцией.

Джонс нарисовал энкаустикой, архаичным средством, датируемым первым веком, когда пигмент плавится в горячем воске. Он объединил энкаустику с газетным коллажем, чтобы создать соблазнительное пространство краски, где его чувствительные пометки выражают поверхность работы. Его увлечение общим единством плоскости поверхности в картине относит его к традиции, восходящей к кубизму, Сезанна и Шардену.

Искусство Джонса играет с визуальными идеями, которые имеют слои значения и взаимодействуют на разных уровнях. Это и чувственное, и интеллектуальное искусство — искусство об искусстве и о том, как мы к нему относимся.

Роберт Раушенберг — Коллаж и мультимедиа

РОБЕРТ РАУШЕНБЕРГ (1925- 2008)
«Первый приземляющийся прыжок», 1961 (смешанная техника)

Роберт Раушенберг также использовал в своем творчестве «найденные образы», ​​но, в отличие от изображений Джонса, они сочетаются в отношениях друг с другом или с реальными объектами. Творчество обоих этих художников часто называют нео-дадаизмом, поскольку оно основано на «найденных элементах», впервые исследованных дадаистами, такими как Марсель Дюшан и Курт Швиттерс.

Вдохновленный Швиттерсом, создававшим коллажи из мусора, который он подобрал на улице, Раушенберг объединил реальные предметы, которые он нашел в своем нью-йоркском районе, с техниками коллажа и рисования. Он сказал: «На самом деле у меня было домашнее правило. Если бы я полностью обошел квартал и мне не с чем было работать, я мог бы взять еще один квартал и обойти его в любом направлении — но на этом все». Он назвал эти мультимедийные сборки «комбинациями», которые «должны были выглядеть не менее интересно, чем все, что происходит за окном». Раушенберг считал, что «живопись больше похожа на реальный мир, если она изображает реальный мир».

РОБЕРТ РАУШЕНБЕРГ (1925-2008)
«Retroactive 1», 1964 (холст, масло и шелкография)

Коллаж был естественным языком Раушенберга, и он расширил его словарный запас, разработав метод сочетания масляной живописи с фотографической шелкографией. Это позволило ему экспериментировать с современными изображениями, собранными из газет, журналов, телевидения и фильмов, которые он мог воспроизвести в любом размере и цвете в качестве композиционного элемента на холсте или гравюре. Он использовал эти элементы таким образом, который отражает наш опыт работы со средствами массовой информации. Каждый день нас бомбардируют изображениями из телевидения, газет и журналов, игнорируя большинство, но сохраняя некоторые, которые сознательно или подсознательно относятся к нашему индивидуальному опыту и пониманию. Картины Раушенберга фиксируют этот визуальный «шум» в рамках образов, повествование которых предполагает своего рода ироническую аллегорию.

Раушенберг интересовался нашим меняющимся восприятием и интерпретацией образов: «Я уверен, что мы не читаем старые картины так, как они были задуманы». В «Ретроактивном 1» Раушенберг играет с тем, как мы читаем картины со времен раннего Возрождения. Композиция напоминает ранние религиозные иконы, где центральная фигура Христа или святого была окружена небольшими повествовательными панелями. Знаменитое изображение почитаемого президента Кеннеди, самого влиятельного человека в мире, убитого в прошлом году, занимает центральное место, когда он решительно выступает с предупреждением. Он указывает на красное изображение справа от себя, которое обманчиво похоже на картину Мазаччо «Изгнание Адама и Евы из Эдемского сада» (ок. 1432 г.) из капеллы Бранкаччи во Флоренции. С символической ассоциацией «красного» и грибовидного облака, парящего над головой президента, это можно легко интерпретировать как отсылку к кубинскому ракетному кризису времен холодной войны, по иронии судьбы используя аллегорию сотворения для представления сценария Судного дня. Однако Раушенберг не так прост. Если вы присмотритесь повнимательнее, то обнаружите, что красное изображение — это не фрагмент фрески Мазаччо, а стробоскопическая фотография со вспышкой (журнал Life, 10.10.19).52 Гьона Мили) реальной реконструкции картины «Обнаженная, спускающаяся по лестнице, № 2» (1912) наставника Раушенберга Марселя Дюшана.

В то время как одно яблоко является метафорой первородного греха на картинах эпохи Возрождения с изображением Адама и Евы, в «Ретроактивном 1» астронавт спускается с парашютом обратно на землю только для того, чтобы приземлиться в перевернутом ящике «запретного плода» — символе того, как потенциал зла в современном мире умножился (на латыни слова «яблоко» и «зло» идентичны во множественном числе: «мала»). Раушенберг расширяет свою метафору, иллюстрируя в правом верхнем углу картины то, куда возвращается космонавт: Эдем после грехопадения — мир, загрязненный индустриализацией. «Ретроактивный 1» — очень подходящее название для работы, поскольку оно связано с каноном образов, событий и идей во времени.

Энди Уорхол — от консервных банок до знаменитостей

ЭНДИ УОРХОЛ (1928-1987)
«32 банки супа Кэмпбелл», 1962 (холст, синтетическая полимерная краска)

Если и существовал художник, олицетворявший поп-арт, то это был Энди Уорхол. Первоначально он работал «коммерческим художником», и его предмет был основан на образах массовой культуры: рекламе, комиксах, газетах, телевидении и кино.

Уорхол воплотил дух американской поп-культуры и возвел ее образность в статус музейного искусства. Он использовал бывшие в употреблении изображения знаменитостей и потребительских товаров, которые, по его мнению, имели внутреннюю банальность, которая делала их более интересными. Он чувствовал, что они были лишены своего значения и эмоционального присутствия из-за их массового воздействия. Обычно подрывая ценности художественного истеблишмента, Уорхол был очарован этой банальностью, которую он прославлял в серии сюжетов, начиная от банок с супом и заканчивая знаменитостями. Будь то картина «Куриная лапша Кэмпбелла» или «Автокатастрофа», портрет «Элизабет Тейлор» или «Электрический стул», отстраненный подход Уорхола всегда был одинаковым: «Я думаю, что каждая картина должна быть одинакового размера. и одного цвета, так что все они взаимозаменяемы, и никто не думает, что у них лучше или хуже картина».

ЭНДИ УОРХОЛ (1928-1987)
«Три бутылки кока-колы», 1962 (шелкография, тушь и графит на холсте)

Уорхол видел в этой эстетике массового производства отражение современной американской культуры: потребители покупают в основном те же вещи, что и самые бедные.Вы можете смотреть телевизор и видеть кока-колу, и вы знаете, что президент пьет кока-колу, Лиз Тейлор пьет кока-колу, и вы только подумайте, что вы тоже можете пить кока-колу. это кокаин и ни за какие деньги вы не сможете купить себе колу лучше той, которую пьет бомж на углу Все кокаин одинаковый и все кокаин хороший Лиз Тейлор это знает, президент это знает, бомж знает это, и ты это знаешь». Очевидная ирония в этом заявлении заключается в том, что цена этой бутылки кока-колы взлетает до небес, как только Уорхол подписывает ее.

Поскольку кубизм стоит на плечах Сезанна, искусство Уорхола зависит от «реди-мейдов» Дюшана. Он действительно был дадаистом по духу — «агентом-провокатором». Его многочисленные причудливые заявления об искусстве были нарочито загадочными и противоречивыми, избегая разъяснений и заставляя аудиторию размышлять над их смыслом: «Я предпочел бы остаться загадкой. каждый раз разный, когда меня спрашивают». Уклончивое отношение Уорхола было стратегией, результатом которой стала самореклама. Он культивировал свой собственный имидж как бизнес-модель, которая была неотделима от его искусства. Он сказал: «Я начал как коммерческий художник, и я хочу закончить как бизнес-художник. Быть успешным в бизнесе — это самый увлекательный вид искусства».

ЭНДИ УОРХОЛ (1928-1987)
«Мэрилин Диптих», 1962 (холст, шелкография)

Уорхол был против того, чтобы мастерство и мастерство как способ выражения личности художника. Он утверждал, что убрал из своего искусства и мастерство, и индивидуальность: «Причина, по которой я рисую таким образом, заключается в том, что я хочу быть машиной, и я чувствую, что все, что я делаю и делаю как машина, — это то, что я хочу делать. ………….Если вы хотите узнать все об Энди Уорхоле, просто посмотрите на поверхность моих картин и фильмов и на меня, вот я. За этим ничего нет». Его работы были созданы с помощью механических процессов пленки и шелкографии или сделаны другими в его студии, которая называлась «Фабрика».

Парадоксальные утверждения Уорхола, такие как «я глубоко поверхностный человек» или «искусство должно иметь самый поверхностный смысл», находят отклик в его работах. Левая панель его «Мэрилин Диптих» представляет собой грубо раскрашенную фотографию актрисы, чье чувство «я» деградирует из-за повторения ее образа, тогда как правая панель представляет собой физически деградированное черно-белое изображение (как печатная версия). на шелкографии заканчиваются чернила), что отражает эфемерность славы. Их комбинированные панели представляют собой запоминающийся дискурс о природе знаменитости и ее способности как создавать, так и разрушать свои знакомства. Формат «диптих» изначально использовался в средневековой живописи для религиозных изображений личной преданности, что было подходящим выбором, учитывая увлечение Уорхола Мэрилин Монро. Работа была выставлена ​​на первой нью-йоркской выставке Уорхола в Stable Gallery 19 ноября.62 года, всего через несколько недель после смерти Мэрилин от «острого отравления барбитуратами». «Мэрилин Диптих», наряду с другими его известными картинами с Мэрилин, основан на рекламной фотографии 1953 года для фильма «Ниагара», которую Уорхол купил всего через несколько дней после ее смерти.

Рой Лихтенштейн: поп-арт и комикс

РОЙ ЛИХЕНШТЕЙН (1923-1997)
‘Мастерская художника №1 (Взгляд Микки)’, 1973
(холст, масло, акрил, песок)

Рой Лихтенштейн разработал стиль поп-арта, основанный на визуальном языке массовой коммуникации: комиксе. Это был стиль, который был зафиксирован в своем формате: черные контуры, смелые цвета и тона, переданные точками Бендея (метод печати тонов в комиксах 1950-х и 60-х годов). Что действительно изменилось с развитием искусства Лихтенштейна, так это его предмет, который превратился из комиксов в исследование модернистских художественных стилей: кубизма, футуризма, ар-деко, де стиля, сюрреализма и абстрактного экспрессионизма.

В ранних работах Роя Лихтенштейна был намек на американо- «Экспрессионистический кубизм… ковбоев и индейцев» , как он выразился, — но он по-прежнему основывался на живописных условностях, которым его учили уважать. Устав от избытка экспрессионистских настроений того времени, Лихтенштейн атаковал эту ослабевающую традицию такими картинами, как «Смотри, Микки» (1961), крупномасштабным мультяшным изображением, которое «было сделано из обертки от жевательной резинки» (деталь этой работы можно увидеть в ‘Мастерской художника №1’, 1973). Его изображения в комиксах поначалу шокировали, но, как и большая часть поп-музыки, они были быстро приняты галереями и коллекционерами. Лихтенштейн заметил: «Было трудно получить картину, которая была бы достаточно презренной, чтобы ее никто не повесил …… все вешали все. Было почти приемлемо повесить тряпку с капающей краской, все к этому привыкли. Единственной вещью, которую все ненавидели, было коммерческое искусство; очевидно, они ненавидели и его недостаточно».

Бескомпромиссный коммерческий стиль рисунков комиксов Лихтенштейна был противоядием от бессвязных всплесков позднего абстрактного экспрессионизма, но он не был просто задуман как акт протеста поп/дадаизма: «Я не думаю, что папа бы существовал без дадаизма, существовавшего до него, но я действительно не думаю, что поп — это дадаизм. Я не думаю, что смотрю на свои работы как на антиискусство или что-то, что отличается от мейнстрима живописи со времен Ренессанса». Хотя в стиле Лихтенштейна есть элемент иронии и юмора, его работа находится в рамках классической традиции контроля в использовании линии, формы, тона и цвета в качестве композиционных элементов. Дисциплина работы интеллектуальна, и мало что остается импульсам, эмоциям или тому, что он называет «характером искусства». «Моя работа дезинфицирует их (эмоции), но это также символ того, что коммерческое искусство дезинфицирует человеческие чувства. Я думаю, что это можно прочитать таким образом… Люди ошибочно принимают характер линии за характер искусства. на самом деле важно положение линии или положение чего-либо, любой контраст, а не его характер».

Лихтенштейн не совсем точно копирует изображения из комиксов; он тонко совершенствует их, осознавая их преображенный вид в более широком масштабе и осознавая их эстетическую интерпретацию в контексте музея. (Вы можете получить представление об этом эффекте в проекте Дэвида Барсалу «Лихтенштейн».) По мере развития своего стиля он отходил от использования образов комиксов к интерпретации модернистских художественных стилей, но все же в своем родном языке комиксов. Лихтенштейну удавалось поддерживать этот своеобразный стиль более тридцати пяти лет, не просто меняя сюжет, но и рассматривая свое искусство как независимую сущность, существование и развитие которой он контролировал: «Мне нравится притворяться, что в моем искусстве нет ничего делать со мной».

Клас Ольденбург — Скульптура в стиле поп-арт

КЛАС ОЛЬДЕНБУРГ (1922-), КООСЬЕ ВАН БРЮГГЕН (1942-2009)
«Спунбридж и Черри», фото: Майк Хикс, 1985-88
(алюминий, нержавеющая сталь и краска)

Клас Ольденбург был поп-художником, который тяготел к скульптуре больше, чем кто-либо из его современников. В начале 1960-х он участвовал в различных «хэппенингах»: спонтанных, импровизированных, художественных мероприятиях, где опыт участников был важнее конечного продукта — своего рода встреча потребительского искусства для потребительской культуры.

Ольденбург черпал вдохновение в образах потребительских товаров: «Я за Kool-art, 7-UP art, Pepsi-art, Sunshine art, 39 cents art, 15 cents art, Vatronol Art, Dro-bomb art, Vam искусство, искусство ментола, искусство L&M, искусство Ex-lax, искусство Venida, искусство Heaven Hill, искусство Pamryl, искусство San-o-med, искусство Rx, искусство 9.99, искусство Now, новое искусство, искусство How, искусство распродажи , Искусство «Последний шанс», «Только искусство», «Искусство с бриллиантами», «Искусство завтрашнего дня», «Искусство франков», «Искусство уток», «Искусство мяса-о-рама». В 1961 году он открыл «Магазин», где продавал гипсовые копии фаст-фуда и ненужных товаров, грубо окрашенные поверхности которых были явной пародией на абстрактный экспрессионизм. Он использовал передний магазин «Магазина» как галерею, в то время как пополнял свои запасы из своей студии в заднем магазине.

Работы Ольденбурга полны юмористической иронии и противоречий: с одной стороны, он делает твердые предметы, такие как раковина в ванной, из мягкого провисшего винила, а с другой стороны, он делает мягкие предметы, такие как чизбургер, из твердо окрашенного гипса. Он также изменяет относительный размер объектов, беря небольшие предметы, такие как ложка и вишня, и воссоздавая их в архитектурном масштабе. Он сказал: «Мне нравится брать предмет и полностью лишать его функции». Подрывая форму, масштаб и функцию объекта, Ольденбург противоречит его смыслу и заставляет зрителя переоценить его присутствие. Когда вы видите его крупномасштабные общественные работы в окружении окружающей среды, они обладают сильным сюрреалистическим качеством, как Гулливер в Бробдингнаге.

Заметки в стиле поп-арт

СЭР ПИТЕР БЛЕЙК (1932-)
‘The Beatles — Обложка альбома сержанта Пеппера, 1967 (обложка пластинки)

Поп-арт был дерзким, молодым и веселым художественным движением 1960-х годов.